Von Leonardo Mattana Ereño, 24 Mai 2021
Die Saison von Universo Barroco endete in diesem besonderen Jahr mit einer großen Wette: der Oper von Händel, Giulio Cesare in Egitto, mit dem Cetra Barockorchester Basel, Andrea Marcon als Dirigent und einer exzellenten Besetzung, auf die wir jetzt näher eingehen werden. Wir sagten, es sei eine Wette für die bekannte Anspruchslosigkeit des Werkes, zu der noch seine Länge – der Abend dauerte etwa 4 Stunden – und die Tatsache, dass es in einer Konzertfassung vorliegt, hinzukommen. Es sollte noch hinzugefügt werden, dass es sich um die Fassung von 1725 handelt, in der die Figur des Sextus von einem Tenor gespielt wird, für den Händel neue Arien schrieb. Dadurch ergeben sich größere klangliche Kontraste zwischen den Darstellern und eine größere Ernsthaftigkeit der Figur des Sextus.
Die Struktur der Oper, im italienischen Stil, hat kaum Chor- oder Ensembleszenen, außer den Rezitativen, die sich mit den Arien der einzelnen Figuren abwechseln. Und gerade wegen der Bedeutung, die gut gepflegte Rezitative haben müssen, damit das Werk zusammenhängend bleibt und nicht in Monotonie verfällt, konnten wir beginnen: Andrea Marcon, als guter Konzertmeister, spielte vom Cembalo aus die Rezitativpartien und gab den Sängern punktuelle, aber entscheidende Hinweise. Bei den Arien wechselte der italienische Dirigent den Einsatz des Keyboards mit der Leitung des Schweizer Ensembles ab. Das Cetra Barockorchester Basel zeigte einen kraftvollen, kompakten Klang, mit einer prächtigen Vier-Hörner-Gruppe, plus der kompletten Holzbläsergruppe und der Harfe, was diese Oper zu einer von Händels Opern macht, die ein größeres Ensemble erfordert.
Diese Pracht war von den ersten Takten der Ouvertüre an zu spüren: energische Phrasierung, großzügiger Klang und gleichzeitig rhythmische Klarheit sorgten für ein gut gezeichnetes Bild, das uns ganz in eine barocke Atmosphäre hineinzog. Der titelgebende Protagonist, Carlo Vistolis Julius Caesar, erschien gleich nach dem Eröffnungsstück mit der Arie „Presti omai l’Egizia terra“, die Agilität und gutes Volumen erfordert, um sich der instrumentalen Besetzung zu stellen. Die Wahrheit ist, dass sich der italienische Countertenor zu Beginn des Werkes und generell im ersten Akt nicht ganz wohl fühlte, da er vom Orchester verdeckt wurde und gewisse Schwierigkeiten hatte, das Register zu halten, besonders in den tiefen Tönen. Im Gegenteil, ab dem zweiten Akt temperierte er seine Stimme in hervorragender Weise und gab einige sehr bemerkenswerte Momente im dritten Akt, wie die Arie „Aure, deh, per pietà“ oder die hervorragende Schlussszene. Der andere Countertenor, Carlos Mena in der Rolle des Tolomeo, füllte seine Rolle solide aus, sowohl in den Rezitativen als auch in seinen Arien, und brachte die komische Note in die Figur, die so nützlich ist, um den Antagonismus sowohl mit dem römischen General als auch mit seiner Schwester Kleopatra zu markieren. Letztere, verkörpert von der ungarischen Sopranistin Emőke Baráth, hat wohl einige der schönsten Arien der Oper wie „Piangerò la sorte mia“ oder „Da tempeste il legno infranto“, die die Sopranistin mit großer Klarheit des Timbres, von Eleganz getragener Virtuosität und einer Dramatik, die über das Fehlen einer Inszenierung hinausging, einfing. Sie erhielt die wärmsten Ovationen und war wahrscheinlich die Beste des Abends.
Aber Giulio Cesare in Egitto hat einen gemeinsamen Protagonisten und die Figuren der Cornelia, des Sextus oder des Ratsherrn Aquilas haben ihre Arien, in denen sie ihre Tugenden, die nicht wenige waren, hervorheben und betonen. Die Mezzosopranistin Beth Taylor präsentierte eine Cornelia mit einer robusten Stimme, beweglich und gleichzeitig in der Lage, den Tönen eine tiefe Resonanz zu verleihen, die besonders in den Anfangsszenen des Werkes glänzte. Der Sextus von Juan Sancho, Tenor in dieser Fassung von 1725, ist ein komplexer Charakter, der gezwungen ist, zwischen zwei Übeln zu wählen, gegen die er seine Rache richten will, Caesar oder Ptolemäus, und daher eine dramatische Stimmung benötigt, ohne in bloße stimmliche Zurschaustellung zu verfallen, Dies gelang ihm mit einer ernsten und kompromisslosen Bühnenpräsenz sowie einer überzeugenden Stimme, korrekt in Intonation und Phrasierung und keineswegs manieriert, wie er am Schluss des ersten Aktes „S’armi a miei danni l’empio tiranno“ demonstrierte. Auch José Antonio López‘ Aquilas vereinte die Schwere der Rolle gut mit einer Stimme, die ohne Zögern auf die Anforderungen der Partitur reagierte, ohne auf ihre Verarbeitung zu verzichten.
Mit diesen Zutaten kann der Leser ableiten, dass dies eine Aufführung von wertvollem Format war, in der das Fehlen einer Inszenierung nur in einigen der Denuktionen des dritten Aktes auffiel und in der gelegentliche Lücken durch eine sorgfältige musikalische Leitung und eine Besetzung von hohem Niveau, in der Drama und Delikatesse klug miteinander verwoben waren, reichlich kompensiert wurden.